{"id":40877,"date":"2020-06-28T17:46:19","date_gmt":"2020-06-28T15:46:19","guid":{"rendered":"http:\/\/miradordeatarfe.es\/?p=40877"},"modified":"2020-06-28T17:46:19","modified_gmt":"2020-06-28T15:46:19","slug":"un-artista-lgtbi-por-cada-color-de-la-bandera-del-orgullo","status":"publish","type":"post","link":"https:\/\/miradordeatarfe.es\/?p=40877","title":{"rendered":"Un artista LGTBI+ por cada color de la bandera del Orgullo"},"content":{"rendered":"
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Cada una de las franjas de las bandera multicolor tiene un significado. Seleccionamos un artista LGTBI+ por cada una de ellas<\/h2>\n<\/div>\n<\/header>\n
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La bandera arco\u00edris es el s\u00edmbolo m\u00e1s identificativo del colectivo LGBTI+, adem\u00e1s de una herramienta clave y representativa en su lucha por la libertad de ser y amar. La idea surgi\u00f3 en 1978 en San Francisco de la mano de Harvey Milk, activista que m\u00e1s tarde se convirti\u00f3 en el primer pol\u00edtico abiertamente homosexual. Este encarga crear un s\u00edmbolo de orgullo para los homosexuales y es Gilbert Baker,<\/a> activista y dise\u00f1ador, quien se ocupa del dise\u00f1o. Ten\u00eda ocho colores, cada uno de ellos asociado con un concepto: el rojo para la vida, el rosa para el sexo, el verde para la naturaleza\u2026 Con motivo del d\u00eda del Orgullo recuperamos el significado de esos ocho colores originales \u2013que posteriormente se redujeron a seis<\/a>\u2013, representado cada uno de ellos con una figura relevante de de la historia el arte perteneciente al colectivo.<\/p>\n

Rosa: sexualidad<\/strong><\/h2>\n

Irreverente y rompedor. As\u00ed se podr\u00eda describir a Robert Mapplethorpe (1946 – 1989), fot\u00f3grafo americano conocido por sus controvertida forma de entender la sexualidad, que mostraba de forma expl\u00edcita en sus instant\u00e1neas. Tres d\u00e9cadas despu\u00e9s de su muerte \u2013en 1989 y con 42 a\u00f1os, enfermo de sida\u2013,\u00a0 sus im\u00e1genes siguen provocando pol\u00e9micas en museos y exposiciones. Han despertado tanto rechazo como alabanzas por su incre\u00edble dominio t\u00e9cnico y sus composiciones influidas por la escultura cl\u00e1sica.<\/p>\n

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Robert Mapplethorpe, Leather Crotch (1980). Puede verse en el MoMA, Museo de Arte Moderno de Nueva York.<\/figcaption><\/figure>\n<\/div>\n<\/div>\n

Su crianza en un entorno r\u00edgido y cat\u00f3lico no impidi\u00f3 que desarrollar\u00e1 un marcado inter\u00e9s por la sexualidad. Tras salir con la cantante Patti Smith, que despu\u00e9s se convertir\u00eda en su amiga y que aparece en muchas de sus fotograf\u00edas<\/a>, decidi\u00f3 explorar su intereses homosexuales frecuentando los espacios m\u00e1s underground del Nueva York de los 70. All\u00ed, en la exploraci\u00f3n de su propia sexualidad, encontrar\u00eda la escena sadomasoquista neoyorkina, mundo del que \u00e9l mismo form\u00f3 parte y que comienza a fotografiar con una impactante sensibilidad que no hace m\u00e1s que reafirmar la posici\u00f3n de la fotograf\u00eda como arte.<\/p>\n

Aunque sus retratos a celebridades y artistas como Andy Warhol o Louise Bourgeois son de una calidad excepcional \u2013puedes ver muchos de ellos en la p\u00e1gina del Tate,<\/a> el museo brit\u00e1nico de arte moderno\u2013 lo que verdaderamente ha hecho que Mapplethorpe pase a la posteridad es que nadie mejor que \u00e9l supo capturar la sexualidad en la experimentaci\u00f3n de la suya propia. Y, por si no fuera suficiente, trat\u00f3 los l\u00edmites de la identidad de g\u00e9nero,<\/a> experimentando con los roles y las identidades no binarias.<\/p>\n

Rojo: vida<\/strong><\/h2>\n

Lili Elbe, nacida en 1882, es una de las primeras mujer trans de la que se tiene constancia hist\u00f3rica<\/a>. Tal vez su nombre no le suene a muchos, aunque esto suele cambiar al mencionar el t\u00edtulo de la pel\u00edcula basada en su vida: La chica danesa<\/em><\/a>.<\/p>\n

Nacida bajo el rol masculino, Elbe contrajo matrimonio con la ilustradora er\u00f3tica y de estilo Art Dec\u00f3 Gerda Wegener, para la que pos\u00f3 en multitud de ocasiones. La conoci\u00f3 durante sus estudios en la Real Academia de Bellas Artes danesa. Adem\u00e1s de posar para ella como modelo, Lili tambi\u00e9n era artista<\/a>, aunque ella se decantaba por paisajes cercanos al postimpresionismo y de paleta m\u00e1s suave.<\/p>\n

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A la izquierda, ‘Queen of Hearts’ (1928) de Gerda Wegener, una de las obras de la pintora en la que Lili Elbe hace de modelo. A la derecha, Notre Dame d’Arcachon (1918), pintado por Lili Elbe.<\/figcaption><\/figure>\n<\/div>\n<\/div>\n

Tal y como recuerda la biograf\u00eda Man into woman<\/em>,<\/a> publicada en 1933 \u2013dos a\u00f1os despu\u00e9s de su muerte\u2013 y que recoge cartas y textos de la propia Elbe y sus allegados, la artista lleg\u00f3 a tener un pasaporte oficial como mujer y se someti\u00f3 a numerosas operaciones de reasignaci\u00f3n de sexo, que acabar\u00edan por costarle la vida. Rescatada su historia, hoy se ha convertido en todo un referente por no tener miedo a vivir su vida de la forma en la que sent\u00eda.<\/p>\n

Naranja: salud<\/strong><\/h2>\n

Tanto la vida como la obra de Frida Kahlo (1907 – 1954) estuvieron marcadas por sus problemas de salud y las secuelas f\u00edsicas que estos le provocaron, tanto la polio que pas\u00f3 de peque\u00f1a como el accidente de tr\u00e1fico que sufri\u00f3 a los 18 a\u00f1os y que le hizo pasar por numerosas operaciones y dolores<\/a>.<\/p>\n

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Frida Khalo, ‘Frieda y Diego Rivera’ (1931). Se puede visitar en el Museo de Arte Moderno de San Francisco (Estados Unidos).<\/figcaption><\/figure>\n<\/div>\n<\/div>\n

Frida Kahlo Empez\u00f3 a pintar a ra\u00edz de tener que estar postrada en la cama durante largos periodos de tiempo. La mayor parte de sus obras son autorretratos que capturan el padecimiento causado. No solo por el accidente, sino tambi\u00e9n por su tormentosa relaci\u00f3n sentimental con el famoso muralista mexicano Diego Rivera, cuyas m\u00faltiples infidelidades<\/a> le causaron una intensa agon\u00eda. No sin motivo lleg\u00f3 a afirmar: \u201cNo estoy enferma, estoy rota\u201d.<\/p>\n

Adem\u00e1s de por su extraordinaria producci\u00f3n, Frida Kahlo fue abiertamente bisexual<\/a> y ha pasado a la posteridad por su libertad para ser y amar<\/a>.<\/p>\n

Amarillo: luz del sol<\/strong><\/h2>\n

Se podr\u00eda decir que la biograf\u00eda de Caravaggio (1571 – 1610), brillante pintor barroco, engancha m\u00e1s que las pel\u00edculas de domingo por la tarde. La violencia y la falta de autocontrol marcaron tanto su vida como su obra, en una monta\u00f1a rusa de continuas peleas y juergas<\/a> que acabaron por su huida lejos de Roma, ciudad a la que jam\u00e1s pudo regresar. Pero lo que verdaderamente hizo que Michelangelo de Merisi da Caravaggio pasara a la posteridad fue la tenebrosidad de sus obras y su maestr\u00eda en el uso de las luces y las sombras. Es la importancia de la luz en su pintura la que le ha hecho ocupar nuestro color amarillo.<\/p>\n

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Caravaggio, ‘Ni\u00f1o con cesto de frutas’ (1593). Situado en Galer\u00eda Borghese (Roma, Italia).<\/figcaption><\/figure>\n<\/div>\n<\/div>\n

La definici\u00f3n de la sexualidad de Caravaggio sigue siendo un tema controvertido a\u00fan a d\u00eda de hoy. La teor\u00eda m\u00e1s extendida es la de Graham-Dixon, c\u00e9lebre historiador brit\u00e1nico que englob\u00f3 las preferencias del pintor tenebrista bajo el t\u00e9rmino \u201comnisexual\u201d<\/a> y se\u00f1al\u00f3 que mantuvo un marcado rechazo hacia el amor al tiempo que manten\u00eda relaciones tanto con hombres como con mujeres.<\/p>\n

Verde: naturaleza<\/strong><\/p>\n

Rosa Bonheur (1822 – 1899) se convirti\u00f3 en noticia este 2019 despu\u00e9s de que su obra El Cid<\/em>, que estuvo 140 a\u00f1os oculta en los almacenes del Museo del Prado, pasara a formar parte de la exposici\u00f3n permanente del museo<\/a>. Esta pintora francesa del siglo XIX fue capaz de convertir su pasi\u00f3n por la naturaleza, y m\u00e1s concretamente por los animales, en la protagonista de sus pinturas. El triunfo definitivo de sus estudios anat\u00f3micos y acercamientos constantes a los animales lo encontr\u00f3 en su obra El mercado de caballos,<\/em> tras la cual viaj\u00f3 por Europa cosechando toda clase de \u00e9xitos.<\/p>\n

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Rosa Bonheur, ‘El mercado de caballos’ (1852-55). Se encuentra en el MET, Museo Metropolitano de Arte de Nueva York.<\/figcaption><\/figure>\n<\/div>\n<\/div>\n

No solo la tem\u00e1tica de sus pinturas nos ha hecho decantarnos por Rosa Bonheur como representante del color de la naturaleza, sino tambi\u00e9n por la naturalidad con la que vivi\u00f3 su sexualidad. No contenta con ser abiertamente lesbiana y convivir con mujeres en pleno siglo XIX, a Bonheur le gustaba llevar el pelo corto, fumar puros y vestir con ropa t\u00edpicamente masculina, para lo que tuvo que solicitar a las autoridades un \u201cpermiso de travestismo\u201d, tal y como recuerda la p\u00e1gina del Museo del Prado dedicada a El Cid<\/em><\/a>. Fue tan famosa en su \u00e9poca que hasta tuvo una mu\u00f1eca con su nombre. Puedes verla en este hilo de Cristina Domenech,<\/a> historiadora y autora del libro sobre lesbianas en la historia Se\u00f1oras que se empotraron hace mucho<\/em>:<\/p>\n

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Celeste: magia y arte<\/strong><\/h2>\n

En los or\u00edgenes de la fotograf\u00eda, la posibilidad de fijar una imagen directa y pr\u00e1cticamente instant\u00e1nea de la realidad era tan asombrosa que, en muchas ocasiones, se atribu\u00eda a la magia o a las artes ocultas. Nuestro siglo y parte del anterior han tra\u00eddo una realidad muy diferente. La fotograf\u00eda est\u00e1 tan presente en nuestro d\u00eda a d\u00eda que se nos olvida que a veces puede ir mucho m\u00e1s all\u00e1 de la simple congelaci\u00f3n de un momento concreto. Duane Michals<\/a> (nacido en 1932 en Estados Unidos) da buena cuenta de ello: sus im\u00e1genes son el claro ejemplo de que la fotograf\u00eda puede ir mucho m\u00e1s all\u00e1 de la captaci\u00f3n de la realidad. La imaginaci\u00f3n, la magia y los sue\u00f1os son los aut\u00e9nticos protagonistas de sus instant\u00e1neas, que recurren a toda clase de recursos expresivos como la doble exposici\u00f3n, la pintura e incluso el texto.<\/p>\n

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Bailarina vestida para el ballet ‘Bulgaku’ del core\u00f3grafo ruso George Balanchine. Duane Michals\u00a0(Getty)<\/span><\/figcaption><\/figure>\n<\/div>\n<\/div>\n

Conocido por sus retratos a celebridades y por ser el autor de la imagen de la m\u00edtica portada de Synchronicity<\/em> de The Police<\/a>, su fotograf\u00eda comercial es la base econ\u00f3mica que le permite desarrollar su obra personal con total libertad. Y all\u00ed es donde est\u00e1 la magia. Adem\u00e1s, al ser abiertamente gay, muchas de sus instant\u00e1neas tienen como protagonistas tem\u00e1ticas y situaciones propias del colectivo. Es el caso de su fotograf\u00eda El hombre desafortunado<\/em>,<\/a> obra que relata la historia de un hombre condenado a no poder tocar a la persona a la que ama.<\/p>\n

Azul: serenidad<\/strong><\/h2>\n

Romaine Brooks<\/a> (1874 – 1970) es una de esas artistas que se escapan a su tiempo. Su infancia dif\u00edcil y en la m\u00e1s absoluta de las pobrezas cambi\u00f3 radicalmente cuando, tal y como cuenta su biograf\u00eda publicada en la p\u00e1gina del Museo Smithsoniano de Arte Americano<\/a>, recibi\u00f3 una herencia millonaria de su familia. Esto le permiti\u00f3 desarrollar su arte de forma totalmente independiente a los movimientos y vanguardias que se estaban desarrollando en el fervor del siglo XX. Cultiv\u00f3 el g\u00e9nero del retrato, inmortalizando a su c\u00edrculo de amigos, integrado mayoritariamente por artistas, literatos y homosexuales. Su paleta tenue de tonos gris\u00e1ceos no hace m\u00e1s que intensificar la aptitud de serenidad de los protagonistas de sus pinturas, convirtiendo su estilo en \u00fanico.<\/p>\n

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Romaine Brooks, ‘Autorretrato’ (1923). Se puede visitar en el Museo Smithsoniano de Arte Americano, situado en Washington D.C.<\/figcaption><\/figure>\n<\/div>\n<\/div>\n

La tranquilidad que transmiten su obras ni de lejos se refleja en su biograf\u00eda. En lo sentimental, es dif\u00edcil seguirle el hilo: adem\u00e1s de mantener relaciones tanto con hombres como con mujeres (aunque se decantar\u00eda por estas \u00faltimas), eligi\u00f3 vivir el amor sin la exclusividad mon\u00f3gama<\/a>. La relaci\u00f3n m\u00e1s duradera fue la que tuvo con Natalie Clifford Barney, que las mantuvo unidas por m\u00e1s de cincuenta a\u00f1os.<\/p>\n

Morado: esp\u00edritu<\/strong><\/h2>\n

Francis Bacon (1909 – 1992) no tuvo una vida f\u00e1cil y su obra, tenebrosa y turbulenta, es fiel reflejo de ello. Sus pinturas representan el esp\u00edritu m\u00e1s oscuro y perturbador del ser humano, la tragedia de su existencia expresada mediante torsiones, figuras desmembradas y mutilaciones. Es la representaci\u00f3n m\u00e1s pura de la agon\u00eda que sent\u00eda y que le acompa\u00f1\u00f3 hasta el d\u00eda de su muerte.<\/p>\n

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Francis Bacon, ‘Dos figuras’ (1953).<\/figcaption><\/figure>\n<\/div>\n<\/div>\n

En lo referido a su sexualidad, sufri\u00f3 el cruel rechazo de su padre, qui\u00e9n al enterarse de su homosexualidad lo expuls\u00f3 de casa, con solo 16 a\u00f1os. Sin embargo, esto no evit\u00f3 que Bacon expusiera p\u00fablicamente su orientaci\u00f3n sexual, siendo los protagonistas de muchas de sus obras sus propios amantes. Sus relaciones sentimentales no ayudaron a frenar su agon\u00eda: su relaci\u00f3n con Peter Lacy estuvo llena de violencia y maltrato<\/a> y la que mantuvo con George Dyer, al que conoci\u00f3 cuando entraba a robar a su casa<\/a>, acab\u00f3 con el suicidio del amante el mismo d\u00eda de la inauguraci\u00f3n de la exposici\u00f3n<\/a> que lo catapultar\u00eda a definitivamente a la fama.<\/p>\n

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Clara Gonz\u00e1lez Freyre <\/a>

FOTO: Anabel Bueno<\/span><\/p>\n

https:\/\/verne.elpais.com\/verne\/2020\/06\/26\/articulo\/1593164788_064220.html<\/p>\n<\/div>\n","protected":false},"excerpt":{"rendered":"

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